by Francesco Pantaleone and Agata Polizzi
06 > 07.2012
(He who has language passes the sea)
The deeper sense of the project I worked for stands in the title of the exhibition itself: CU AVI LINGUA PASSA U MARI (he who has language passes the sea),a proverb suggested to me by the beautiful work within the exhibition of Domenico Mangano. The clear and precise wisdom of this Sicilian proverb involves a series of suggestions and references to the ideas of travel, language, the awareness that we have about our own potentials, even whenever the discovery of ourselves is not always immediate and accepted.
It seemed then so simple to use the power of words to explain how important it is to recognize its existence in the value of truth; freedom. Speaking clearly can make ideas and rights go around, improves relationships, brings people together. I believe that the metaphor of the journey explains more than anything else through experience, which is knowledge and exchange, the chance to broaden horizons and break down barriers.
Sometimes, even without moving from our own homes. A journey is a state of mind, an established fact, that leads people to feel more connected each other. It broadens the mind and makes us similar.
That’s what I wanted to achieve with my work with the artists, especially related to such a controversial and complicated issue. I wanted to cleanse it from any explicit reference to the Gay world, make it transversal, and at the same time I wanted to remove the veil, to tell the pride seen as a sense of belonging, a claim of natural liberty. No classes and no cages. I tried sharing through language, to convey a true feeling, an intimate and only partially clear slice of life, in which each one expresses one’s nature, what he/she really is.
Declaring your identity is a form of extreme honesty that protects from loneliness and lies, and especially in the contemporary shy society, slightly inclined to true feelings, sometimes even turbid, honesty is a vital need.
Ludwig Wittgenstein argued that language expresses and reflects the world because it shows the logical form of reality. A reality of centrality and outskirts, geographical and mental, peripheries enclosing parallel worlds.
I tried working on this concept with six international artists, while remaining neutral with respect to prejudice and fallacy, to extend wider horizons, and the universal concept of “pride”. Together we explored the possibility of telling, on tiptoe but with the power offered by art, the universe of diversity by highlighting the beauty, the richness, the added value inherent in all that is considered unique.
With Stefano Arienti we found in one of his older works the original idea of pride, Kiss in the pool is a reflection on the use of the body. A use which is political, tied to a presentation often distorted, which must take account of the ancestral religious contaminations or social stereotypes. A body that, if we consider it this way, is a prison where it is not free to express himself. Arienti cancels the weight of such a serious concept using a light and impalpable medium: a translucent paper that contains two figures bathed in a warm and reassuring embrace. A light and enveloping image. A strong meaning encased in brittle material. The allure of the executing technique enhances the contrast with the heavy bodies, heavy as their experience.
Arienti has often played with the contrast in the past (Men and Their Environment 2005) of non-conventional figures, offering images of burly men, and not sticking to the common concept of beauty to shake banal cliches and false, outdated beliefs.
Different yet similar is Stefania Galegati Shines‘ work; similar for it’s lightness, different because more immediate and sharper. Galegati with this work, unpublished, fully expands on the entire event because her photographs have become the same posters which “advertise” the Gay Pride.
Refined and sensitive, she shows the life of the suburbs of the city taking over everyday’s reality, where to be normal means to survive. The quest for normality is the focus of these images, but where things are taken quite absurd like the well on the beach, where random events are designed to interact with the normality of photos or where two men in their vespa become ‘couple’ because of lateral position of the one behind.
Where the boundary between normality and diversity becomes very thin and confused. The artist places images in poetic elements that attract and distract from the brutality of the environment, creates tableau vivant which attempts to undermine prejudice and racism generated by ignorance and meanness. She literally puts her “face” in it: it’s her children and man who enliven the scene. It seems to miss her, and instead, in a surprising act of irony, she replaces it with a young boy … that’s it, the genius of art!
Alice Guareschi uses words as an oracle, plays on the slipperiness of meaning. Plays on appearance and truth. Once again the possibility of using language “to mean the unspeakable.” The enigmatic and vaguely written delphic proposal on display includes a huge distance between signifier and signified. Just like sometimes there is a huge distance between what it is and what it appears. Between what we are and what we are perceived like. An unsolved solution that moves away from the truth. A linguistic game that indicates the multiplicity of meanings, which in turn vary depending on their usage. Quoting again Wittgenstein one might say that the sense of the word is positional and not essential, therefore, generated by practical and theoretical assumptions. Just as existence.
Domenico Mangano proposes a new work, a sort of “Prisenti” boettiano like the one of 1985 in the Civic Museum of Gibellina, a finely embroidered banner that besides the classic symbol of LGBT Rainbow bears the slogan intentionally in Sicilian CU AVI LINGUA PASSA U MARI, representative of a group of supporters of Palermo Football Team, which he created. Mangano created this short circuit inserting in a “macho” context like football a declaration of love for your favorite team by a group of gay supporters.
His work is highly relational, seeking to establish contact with the team claiming the autonomy and strength of a bond of affection, no matter where it comes from. You can accept it or move away from this, but the bond remains. The challenge will be to observe its evolution. Mangano’s insight is based on the power for social as a way to create a connection, a belonging, a custom policy. Makes legible a reality so that it becomes incomprehensible to many as an expression of everyday life, convinced that art can suggest new points of view in unusual contexts.
Liliana Moro, combines key Pride earlier work of 2011, Assalto a un tempo devastato e vile; a simple carriage, constant element in the later works of the artist, remembers the road as a passage, as precarious, a road that cuts into the bowels of the city leaving invisible streams of humanity penetrating, which is on the edge. The small carriers that are all over the world a symbol of the homeless, street performers and all those who are pilgrims, is the symbolic instrument with which Moro voices this humanity. Restores dignity to their nomadic way of living everyday life. Sublimes it with its “high” art of invisible people, the inconsistent existence for society, illuminating it with poetry, giving the light. The artist in fact overlaps the carriage lantern lit by a small white garden, a rainbow, symbol of the Pride. A touch of pure light. Without apology. Without compromise. A cutting idea of Moro, sweetened by the brightness of the color that softens and comforts.
Simeti Francesco closes the exhibition, making a reflection on the thin line separating normality from insanity. At the bottom of each one of us at times covertly exerts a pinch of folly, and thus the artist lingers on the pathological dimension of being. His work Volatili 2008 is the extraordinarily beautiful representation of this boundary so weak and unknown.
A delicate and floral wallpaper on which are laid in an oxymoron concept the designs, equally extraordinary, of the psychiatric institute of San Colombano al Lambro patients. An artist among artists. A work that depicts a surreal normality, redeemed by art. The same normality that for many is fiction, constantly disguising their identity from the eyes of the people.
Simeti interacts with the double, with the instinctive madness that frees from the routine allowing you to watch and look with purity through the beauty of truth.
Die grundlegende Idee dieses von mir kuratierten Projekts findet sich im Titel der Ausstellung wieder: „CU AVI LINGUA PASSA U MARI“, ein Sprichwort, zu dem ich von der wunderschönen Arbeit des hier ausgestellten Künstlers Domenico Mangano inspiriert wurde. Die reine und treffende Weisheit dieses sizilianischen Sprichwortes impliziert eine Vielzahl an umfangreichen Eindrücken und verweist auf das Konzept des Reisens, der Sprache, sowie auf das Bewusstsein für die eigenen Möglichkeiten, auch wenn die Selbstfindung nicht immer unmittelbar einsetzt oder akzeptiert wird.
Deshalb erschien es mir naheliegend, die Kraft der Worte zu nutzen, um zu erklären, wie wichtig es ist, in der eigenen Existenz den Wert der Wahrheit zu erkennen, denn dieser bedeutet Freiheit. Denn deutlich zu sagen, was man meint, kann die Ideen und die Ansprüche zirkulieren lassen und die Beziehungen verbessern, die Personen vereinen.
Ich glaube, dass die Metapher der Reise, mehr als jede andere, verdeutlicht, wie man mit Hilfe von Erfahrungen, die Begegnung und Austausch beinhalten, den eigenen Horizont erweitern und Mauern einreißen kann – manchmal auch ohne wirklich die eigenen vier Wände zu verlassen. Denn das Konzept des Reisens ist ein mentales, ein Tatbestand, der den Menschen das Gefühl gibt, sich immer in Verbindung mit anderen zu fühlen. Reisen erweitert den Verstand und macht uns ähnlich.
Ich hoffe, dass genau dieser Gedanke aus meiner Zusammenarbeit mit den Künstlern den Betrachter erreicht, vor allem im Hinblick auf dieses sehr komplexe und kontroverse Thema. Ich versuchte diese Zusammenarbeit von jedem ausdrücklichen Bezug auf die homosexuelle Szene zu befreien, sie durchlässig zu lassen und zur gleichen Zeit den Schleier zu lüften, um ihren natürlichen Stolz und ihr starkes Gemeinschaftsbewusstsein, als eine Forderung der natürlichen Freiheit, zu zeigen – ganz ohne die Einordnung in Kategorien und Denkverbote.
Ich habe versucht durch die Sprache einen gemeinsamen Raum zu schaffen, indem ein ehrliches Gefühl vermittelt wird, ein intimes Erlebnis, das nur zum Teil offensichtlich ist und das jedem einzelnen die Möglichkeit gibt, seine wahre Natur offenzulegen und zu zeigen, wer man wirklich ist.
Ich denke, dass das Offenlegen der eigenen Identität einen Akt extremer Ehrlichkeit darstellt, die zugleich vor Einsamkeit und Lügen schützt. Vor allem in der heutigen derart zurückhaltenden Gesellschaft, in der wenig Raum für wahre Gefühle ist, sie sogar eher verdeckt bleiben, ist Ehrlichkeit eine lebenswichtige Notwendigkeit.
So ist es nach Ludwig Wittgenstein auch die Sprache, die die Welt beschreibt und widerspiegelt, da sie die logische Form der Wirklichkeit aufzeigt. Eine Wirklichkeit bestehend aus Zentren und Peripherien, geographischer und mentaler Art. Peripherien, die Parallelwelten erzeugen und zugleich in sich einschließen.
Basierend auf diesem Konzept habe ich gemeinsam mit sechs internationalen Künstlern versucht, den Horizont des Begriffs „Stolz“, neutral den herrschenden Vorurteilen gegenüber, zu erweitern und universell anwendbar zu machen. Wir haben gemeinsam versucht, mit sehr viel Fingerspitzengefühl, aber auch der Kraft der Kunst die Gesamtheit des Andersseins zu erzählen, indem wir vor allem die Schönheit, den Reichtum, den Mehrwert von alledem, was einzigartig ist, ins Licht setzen.
In einem schon fast als historisch zu bezeichnenden Werk von Stefano Arienti treffen wir auf die ursprüngliche Idee des Stolzes: Die Arbeit „Bacio in piscina (Kuss im Schwimmbad)“ ist eine Reflexion über den Einsatz des Körpers. Ein politischer Einsatz, häufig verbunden mit einer Darstellung, die mit der verfälschenden Einflussnahme der Religionen und der sozialen Stereotypen einhergeht.
In diesem Sinne ist der Körper, wenn wir so wollen, ein Gefängnis, das uns daran hindert uns frei auszudrücken. Arienti nimmt diesem erdrückenden Konzept in seinen Arbeiten die Schwere, indem er es durch den Einsatz eines federleichten und hauchdünnen Mediums kontrastiert: Ein durchsichtiges Papier, das zwei sich umarmende Figuren umhüllt, die in warmer und Geborgenheit gebender Zuneigung eingetaucht sind. Ein ergreifendes und leichtes Bild zugleich. Eine starke Bedeutung eingeschlossen in einem zerbrechlichen Material. Die Faszination der hier angewandten Technik liegt im Kontrast zu den schweren Körpern, deren Schwere in den persönlichen Erfahrungen und Erlebnissen liegt. Arienti hat bereits in früheren Arbeiten (Men and their environment, 2005) mit dieser Art von Gegensatz gespielt: Hier sind es unkonventionelle Gestalten, Bilder korpulenter Männer und damit überhaupt nicht dem verbreiteten Schönheitsideal entsprechend, um falsche Überzeugungen und Klischees als banal und überholt zu hinterfragen.
Anders und zugleich ähnlich ist die Arbeit von Stefania Galegati Shines, ähnlich deshalb, weil sie nur leicht anders ist, aber unmittelbarer und schärfer. Galegati ist mit ihrer neuen Arbeit in der ganzen Ausstellung präsent, da ihre Fotografien die Vorlage für die Werbeplakate des „Gay-Pride“ sind. Raffiniert und sensibel fangen ihre Fotografien das alltägliche Leben in den sozial schwächeren Stadtvierteln ein, wo „Normalsein“ auch Überleben heißt. Die Suche nach der Normalität bildet das Zentrum dieser Bilder, die allerdings Absurditäten wie einen Brunnen auf einem Strand abbilden, bei denen rein zufällige Szenen mit der durch das Foto dargestellten Normalität interagieren, oder die zwei Männer auf einer Vespa nur durch ihre Sitzposition zu einem Pärchen werden lassen. So lassen die Fotografien die Grenze zwischen dem Normalen und dem Anderen sehr schmal und verschwommen erscheinen. Diese von der Künstlerin eingefügten poetischen Elemente, geben der Brutalität der gezeigten Lebenswelten etwas Faszinierendes und lenken zugleich davon ab. Die Fotografien sind tableau vivants, die versuchen, Vorurteile sowie den aus Ignoranz und Engstirnigkeit generierten Rassismus aus den Angeln zu heben. Shines zeigt uns in ihren Arbeiten buchstäblich das „Gesicht“: Denn es sind die Gesichter von Kindern und den Menschen an sich, die die Bilder lebendig erscheinen lassen. Da fehlt nur noch das Gesicht der Fotografin selbst und ironischer Weise hat sie es in einer der Fotografien durch das eines Jungen ersetzt… und fertig ist das Kunstgenie!
Alice Guareschi hingegen beschäftigt sich mit Worten. Sie benutzt sie wie ein Orakel und spielt mit der Flüchtigkeit ihrer Bedeutung, ihren Erscheinungsformen und ihrer Wahrheit, indem sie immer wieder die Möglichkeit der Sprache hinterfragt, das Unsagbare zum Ausdruck zu bringen. Der rätselhafte und delphische Schriftzug, den sie der Ausstellung beisteuert, schließt die enorme Distanz zwischen Bezeichnung und Bedeutung, genauso wie oft eine große Distanz zwischen dem, was ist, und dem, was es zu sein scheint, existiert oder zwischen dem, was wir sind, und dem, wie wir wahrgenommen werden.
Eine unlösbare Auflösung, die uns von der Wahrheit entfernt. Ein linguistische Spiel, das die Vielfältigkeit der Bedeutungen aufzeigt, die sich je nach Gebrauch verändern. Erneut nach Wittgenstein, können wir festhalten, dass die Bedeutung eines Wortes im Gebrauch in der Sprache liegt, also dementsprechend in der Praxis und nicht in der Theorie – genauso wie es mit der Existenz ist.
Domenico Mangano zeigt uns eine unveröffentlichte Arbeit, die uns eine doppelte Gegenwart anbietet, ähnlich der Arbeit von 1985, die sich im Museo Civico von Gibellina befindet: Ein sehr fein besticktes Spruchband, das außer mit dem für LGBT typischen Regenbogensymbol auch mit dem sizilianischen Slogan CU AVI LINGUA PASSA U MARI verziert ist, das die von ihm erdachte Fangruppierung von Palermo Calcio repräsentiert. Mangano provoziert einen Kurzschluss, indem er in die „Macho-Welt“ des Fußballs die Liebeserklärung einer homosexuellen Fangemeinschaft für ihre Herzensmannschaft einpflanzt. Daraus ergibt sich ein Kunstwerk, das den Kontakt zwischen Fußballmannschaft und Fans zu stärken versucht, indem Mangano die Stärke und die Autonomie einer herzlichen Verbindung zwischen ihnen aufzeigt, unabhängig davon, welchen Gruppierungen die Fans sonst zugehörig sind. Man kann sich von diesem Unternehmen distanzieren oder man kann es akzeptieren, doch die Verbindung bleibt. Eine Herausforderung bleibt die Beobachtung der weiteren Entwicklung. Manganos Absicht beruht auf der Macht des sozialen Zusammenschlusses, um mit diesem Mittel eine Verbindung, eine Zugehörigkeit und eine politische Gewohntheit zu schaffen. Damit veranschaulicht diese Arbeit eine Realität, die auf viel Unverständnis stößt, möglicherweise noch so lange bis sie irgendwann Alltag geworden ist. Dennoch herrscht die Überzeugung vor, dass die Kunst mit Leichtigkeit neue Ansichten auch in ungewöhnlichen Zusammenhängen schaffen kann.
Liliana Moro hat für diese Ausstellung eine 2011 begonnene Arbeit thematisch modifiziert. Die Arbeit „Asssalto ad un tempo devastato e vile (Überfall auf eine vernichtete und feige Zeit)“ besteht aus einem einfachen Einkaufswagen, der zum bestimmenden Element der letzten Arbeiten der Künstlerin geworden ist. Mit dem Wagen verweist die Künstlerin auf die Straße als Durchgang, als Unsicherheit; die Straße, die einen Durchgang öffnet und Ströme unsichtbaren Menschseins, das an ihrem Rand ist, in das Innere der Stadt eindringen lässt.
Die Wägen sind die Welt der Obdachlosen, der Straßenkünstler und all derer, die umher wandern. Moro benutzt diese Symbolik, um ihre Welten darzustellen und ihrem nomadischen Leben Anerkennung zu zeigen. Moro veredelt mit seiner „hohen“ Kunst die haltlose Existenz der für die Gesellschaft unsichtbaren Menschen, indem er sie mit Poesie erstrahlen lässt und ihnen Licht schenkt. Für diese Ausstellung hat Moro den Wagen mit einem weißen Gartenlämpchen und einem Regenbogen, Symbol des Prides, geschmückt. Die Berührung mit dem reinen Licht – ohne Ausreden – ohne Kompromisse. Ein messerscharfer Gedanke, der durch die Leuchtkraft der Farben zugleich gedämpft wird, was Milde und Trost spendet.
Francesco Simeti schließt die Reihe der Künstler mit seiner feinsinnigen Reflexion über die Grenze von Normalität und Wahnsinn ab: In jedem von uns kommt von Zeit zu Zeit ein kleines bisschen Wahnsinn zum Vorschein, wenn auch in stark verschleierter Form. Der Künstler fragt nach der pathologischen Dimension unseres Wesens. Seine Arbeit „Volatili“ (2008) ist eine außergewöhnliche schöne Darstellung dieser flüchtigen und unbekannten Grenze. Auf ein feines Wallpaper mit Blumendekor sind die ebenso außergewöhnlichen Zeichnungen der Patienten des psychiatrischen Instituts von San Colombano al Lambro als eine Art konzeptuelles Oxymoron gebettet: Ein Künstler unter Künstlern. Es handelt sich um eine Arbeit, die eine surreale Normalität aufzeigt, sie durch die Kunst befreit. Genau die Normalität, die von den meisten als fiktiv angesehen wird, die wie eine stets aufgesetzte Maske die wirkliche Identität zu verhüllen versucht.
Dagegen kommuniziert Simeti mit einer Doppeldeutigkeit, mit einem instinktiven Wahnsinn, der von Schemata befreit und es möglich macht, mittels der Schönheit der Wahrheit zu sehen und sich selbst zu sehen.
Übersetzung – Traduzione in tedesco
a cura di ©Goethe-Institut Palermo
